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mardi 10 novembre 2026

HISTOIRE D'UNE CHANSON DE FILM - JAILHOUSE ROCK PART ELVIS PRESLEY (FILM LE ROCK DU BAGNE)

 


#HistoireChansonFilm , aujourd'hui la chanson Jailhouse Rock par Elvis Presley


L'histoire commence au printemps 1957 à New York. Le producteur de disques Jean Aberbach charge le célèbre duo d'auteurs-compositeurs Jerry Leiber et Mike Stoller d'écrire les chansons du prochain film d'Elvis Presley

Cependant, les deux jeunes hommes préfèrent profiter des clubs de jazz de la ville plutôt que de travailler. Agacé, Aberbach se rend à leur hôtel, pousse un canapé devant la porte pour les empêcher de sortir et leur dit : « Vous ne sortez pas d'ici tant que je n'ai pas mes chansons ». Sous cette pression amicale, Leiber et Stoller écrivent quatre morceaux en quelques heures, dont le futur tube mondial : Jailhouse Rock

Contrairement à la façon dont Elvis l'a interprétée (un rock 'n' roll féroce et premier degré), la chanson a été écrite par Leiber et Stoller comme une parodie humoristique

Les paroles évoquent des personnages réels, comme Shifty Henry (un musicien de jazz bien connu de Los Angeles) ou le gang des Purple Gang (une véritable organisation criminelle de Détroit).

La chanson dépeint une prison festive où les détenus dansent ensemble. Pour l'époque, les paroles frôlent la censure. Le vers où le prisonnier numéro 47 dit au numéro 3 : « Tu es le plus mignon taulard que j'aie jamais vu » fait une allusion humoristique, très audacieuse pour 1957, à l'homoérotisme en milieu carcéral.

À l'origine, le film ne s'appelait pas du tout Le Rock du bagne. Le scénario était adapté d'une histoire intitulée Ghost of a Chance, et le studio (MGM) prévoyait d'abord de nommer le film Treat Me Nice ou The Jailhouse Kid.

Cependant, lorsque le légendaire manager d'Elvis, le Colonel Tom Parker, et les pontes du studio entendent l'enregistrement de Jailhouse Rock, ils comprennent immédiatement son potentiel de rouleau compresseur commercial. Devant l'insistance de la production et une avalanche de lettres de fans, la MGM décide de réécrire le titre du film pour l'aligner sur la chanson : il s'appellera désormais Jailhouse Rock.

C'est pour ce morceau qu'Elvis Presley — alors âgé de 22 ans — va créer lui-même la chorégraphie mythique de la prison. Pendant les répétitions de cette scène, Elvis est tellement énergique qu'il inhale accidentellement une couronne dentaire, qui se loge dans son poumon, nécessitant une hospitalisation d'urgence. Heureusement, ses cordes vocales sont épargnées

Une fois le film sorti en octobre 1957, la chanson s'émancipe de son support visuel pour devenir un monument de la culture populaire

La séquence de danse du film est aujourd'hui considérée par les historiens de la musique comme le tout premier véritable vidéoclip de l'histoire. Elle a posé les bases visuelles de ce que MTV popularisera des décennies plus tard.

Malgré le succès fulgurant du titre, Elvis Presley refusera pendant des années de visionner le film complété. Sa partenaire à l'écran, l'actrice Judy Tyler, s'est tuée dans un accident de voiture seulement quelques semaines après la fin du tournage, brisant le cœur du King.

Elvis redonnera une dimension légendaire à la chanson lors de son fameux concert télévisé (le '68 Comeback Special), où il la rejoue de manière brute et électrique, habillé de cuir noir.

Jailhouse Rock a été intronisée au Grammy Hall of Fame et figure en excellente place dans le classement des 500 plus grandes chansons de tous les temps du magazine Rolling Stone. Elle a été reprise par les plus grands, de Queen à Bruce Springsteen, restant le symbole ultime de la rébellion rock des années 50

https://www.youtube.com/watch?v=gj0Rz-uP4Mk

Let's rock, everybody, let's rock. Everybody in the whole cell block was dancin' to the Jailhouse Rock. Spider Murphy played the tenor saxophone, Little Joe was blowin' on the slide trombone. The drummer boy from Illinois went crash, boom, bang, the whole rhythm section was the Purple Gang. Let's rock, everybody, let's rock. Everybody in the whole cell block was dancin' to the Jailhouse Rock. Number forty-seven said to number three: "You're the cutest jailbird I ever did see. I sure would be delighted with your company, come on and do the Jailhouse Rock with me." Let's rock, everybody, let's rock.

Everybody in the whole cell block was dancin' to the Jailhouse Rock. The sad sack was a sittin' on a block of stone way over in the corner weepin' all alone. The warden said, "Hey, buddy, don't you be no square. If you can't find a partner use a wooden chair." Let's rock, everybody, let's rock. Everybody in the whole cell block was dancin' to the Jailhouse Rock. Shifty Henry said to Bugs, "For Heaven's sake, no one's lookin', now's our chance to make a break." Bugsy turned to Shifty and he said, "Nix nix, I wanna stick around a while and get my kicks." Let's rock, everybody, let's rock.
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14.50 - MONA VIS SUR LE FILM UN BON AVOCAT DE TRISTAN SEGUELA (2026)

 


Vu le film Un Bon Avocat de Tristan Séguéla (2026) avec Laurent Laffite Anthony Bajon Mélanie Laurent Carole Bouquet Gwendal Kerdelhue Patrice Mendes (sur @netflix )


Il y a des films qui ont plusieurs tiroirs à ouvrir, et dont le réalisateur laisse volontairement certains ouverts, d'autres fermés, suivant son envie et celle du spectateur. C'est précisément là que réside le plaisir de découvrir Un Bon Avocat de Tristan Séguéla, une comédie qui joue avec les ambiguïtés, les situations improbables et les personnages qui ne sont jamais tout à fait là où on les attend.


On fait la connaissance de Léonard Landry (Laurent Lafitte), brillant avocat, mais sans vinaigrette, qui possède surtout une particularité : il n'a aucune ligne de conduite à suivre, hormis peut-être les lignes de coke qu'il s'ingurgite comme des pastilles Valda après un mal de gorge. Un avocat brillant, certes, mais totalement incontrôlable, capable de transformer une plaidoirie en véritable numéro de cirque, jusqu'à faire une overdose en plein procès. Les premières minutes nous offrent un Laurent Lafitte complètement déjanté, sans frein ni limite, parfaitement à la hauteur de son personnage, au point que les autres acteurs semblent parfois avoir du mal à suivre la cadence.


C'est alors qu'arrive notre bonbon national, Anthony Bajon, dans le rôle de Noé, un jeune stagiaire de trente ans qui, visiblement, a décidé de faire des études plutôt que de prendre directement sa retraite. Tout oppose les deux hommes : Landry est incontrôlable, excessif, provocateur, tandis que Noé est calme, respectueux, appliqué et possède encore quelques principes auxquels il semble tenir. Pourtant, le jeune homme va progressivement se laisser séduire par la personnalité de son mentor, au point de l'accueillir chez lui, ouvrant ainsi une nouvelle série de tiroirs dont on ne sait jamais très bien ce qu'ils contiennent.


Tristan Séguéla a l'intelligence de ne pas refermer toutes les portes et de laisser planer une ambiguïté amusante sur la relation entre les deux garçons. On ne sait jamais exactement jusqu'où leur rapprochement peut aller, et c'est justement ce qui rend certaines scènes particulièrement savoureuses, notamment celle du caleçon dans la cuisine, où Laurent Lafitte s'amuse visiblement comme un petit fou avec les sous-entendus et les situations embarrassantes.


Pour incarner ce garçon aussi charmant que lucide, Anthony Bajon est un excellent choix. C'est l'un de nos meilleurs acteurs actuels, un comédien capable de passer d'un registre à l'autre avec une facilité déconcertante. Son talent, sa présence et son sourire apportent une fraîcheur bienvenue à cette histoire complètement débridée, tandis que son personnage constitue un contrepoint idéal aux excès de Landry. Il sait être séduit sans devenir naïf, admiratif sans perdre son discernement, et c'est toute la réussite de cette composition.


Laurent Lafitte livre un véritable numéro d'artiste. Il faut parfois accepter qu'il en fasse un peu trop, mais c'est aussi ce qui donne au personnage son énergie et son côté imprévisible. Il occupe l'écran, bouscule les situations et donne à son avocat une personnalité aussi fascinante que dangereuse. On sent un comédien qui prend un plaisir immense à jouer avec les limites, sans se préoccuper de savoir si son personnage est fréquentable ou non.


Quant à l'histoire, elle fonctionne sur ce principe des tiroirs qui s'ouvrent les uns après les autres. Dès qu'on pense avoir compris une situation, une nouvelle perspective apparaît, avec ses surprises, ses retournements et ses zones d'ombre. Le film ne cherche pas à tout expliquer, préférant laisser au spectateur le soin de tirer ses propres conclusions, ce qui lui donne une liberté assez réjouissante. La fin, particulièrement ouverte, laisse même entrevoir de nouvelles aventures pour Landry, qui pourrait bien poursuivre son petit bonhomme de chemin entre ses adversaires, ses persécuteurs et les escrocs financiers qui croisent sa route.


On aimerait évidemment que Noé fasse partie du voyage, car le tandem possède un potentiel comique et humain qui mérite largement de retrouver le chemin des écrans. Peut-être une nouvelle étape dans la rédemption de cet avocat aussi brillant que détraqué, avec son jeune compagnon de route pour lui rappeler qu'il existe encore quelques règles à respecter, même quand on a passé sa vie à les contourner.


Un Bon Avocat est une comédie réjouissante, pleine de fantaisie, de surprises et d'ambiguïtés délicieusement entretenues. Tristan Séguéla nous offre deux personnages qui se complètent à merveille, portés par deux acteurs qui trouvent ici un terrain de jeu particulièrement savoureux. Deux grands acteurs en chemin vers la gloire, et une porte qu'on aimerait bien voir rester ouverte pour de nouvelles aventures.

NOTE ; 14.50

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dimanche 8 novembre 2026

6.90 - MON AVIS SUR LE FILM FLASHDANCE DE ADRYAN LYNE (1983)


 Vu le film Flashdance de Adryan Lyne (1983) avec Jennifer Beals Michael Nouri Lilia Skala Sunny Johnson Belinda Bauer  Kyle T. Heffner Lee Ving Philip Bruns Ron Karabatsos


Voilà un film qui a peut-être marqué son époque, mais qui a singulièrement mal vieilli, au point que le revoir aujourd'hui ressemble davantage à une punition qu'à une séance de cinéma. Il reste bien sûr cette chanson devenue célèbre, qui continue de traîner dans les mémoires et sur quelques pistes de danse, même si, personnellement, elle ne déclenche pas chez moi une passion démesurée pour mes oreilles. Pour le reste, on repassera, et même plusieurs fois, car le spectacle est assez affligeant.


L'histoire nous présente Alex Owens, interprétée par Jennifer Beals, une jeune soudeuse dans une usine de Pittsburgh qui rêve de devenir danseuse professionnelle. Le jour, elle gagne sa vie dans un environnement industriel, le soir, elle se produit dans un cabaret où elle peut enfin laisser libre cours à ses ambitions. Elle vit avec son chien dans un ancien entrepôt aménagé, entourée de quelques amis qui partagent plus ou moins ses difficultés et ses rêves de réussite. Sa rencontre avec Nick Hurley, son patron interprété par Michael Nouri, va évidemment ajouter une petite histoire sentimentale à cette ambition artistique, histoire qui n'aura pas franchement de quoi bouleverser les foules.


Le scénario avance avec la subtilité d'un marteau-piqueur, accumulant les clichés sur la jeune fille qui veut sortir de sa condition et réussir dans le monde de la danse. On connaît déjà la destination avant même d'avoir acheté le billet, et les péripéties ne font guère preuve d'une imagination débordante. Le film voudrait nous faire croire à un grand parcours de courage et de persévérance, mais il peine sérieusement à susciter le moindre enthousiasme.


La véritable obsession d'Adrian Lyne semble être ailleurs : filmer les corps féminins en pleine exhibition, avec une caméra qui paraît avoir été installée à quelques centimètres des danseuses. Une spécialité que le réalisateur avait déjà développée dans Neuf semaines et demie, où l'on avait parfois l'impression que l'objectif cherchait à entrer dans les vêtements des interprètes. Ici, même combat, les cadrages rapprochés se succèdent avec une insistance qui finit par devenir franchement ridicule. On ne sait plus si l'on regarde une histoire de danse ou une démonstration de proximité photographique avec les collants.


Les chorégraphies, parlons-en ! Elles manquent tellement d'inspiration qu'on pourrait presque chuter dessus, et l'énergie que le film voudrait nous communiquer reste désespérément au vestiaire. Les mouvements s'enchaînent sans véritable souffle, les numéros ne dégagent pas cette puissance qui devrait être la raison d'être du spectacle et l'on attend vainement le moment où la caméra va enfin nous offrir autre chose que des morceaux de jambes et des corps filmés sous toutes les coutures.


La photographie n'arrange absolument rien, avec une esthétique qui ressemble parfois à un essai réalisé avec un appareil photo acheté chez JouéClub pour le premier anniversaire d'un enfant. Les éclairages, les décors et les couleurs donnent une impression de bricolage assez peu flatteuse, comme si l'on avait voulu fabriquer du cinéma avec trois bouts de néon et une machine à fumée en promotion.


Du côté des acteurs, ce n'est pas franchement la fête non plus. Jennifer Beals fait ce qu'elle peut avec un personnage qui ne lui donne pas beaucoup de matière, tandis que Michael Nouri traverse l'ensemble avec une présence qui ne laissera pas un souvenir impérissable. Quant aux seconds rôles, on a parfois l'impression d'assister à une réunion de candidats fraîchement inscrits à Pôle emploi, avec une perspective de carrière qui semble aussi incertaine que celle de notre héroïne avant son audition.


Adrian Lyne, qui réalisera par la suite des films autrement plus intéressants dans leur traitement de la sensualité et des rapports humains, semble ici davantage préoccupé par l'emballage que par le contenu. On cherche en vain une véritable émotion, une mise en scène qui aurait quelque chose à raconter ou simplement un numéro de danse capable de nous faire oublier la pauvreté de l'ensemble.


La chanson reste, le film beaucoup moins. Il y a des œuvres qui traversent les décennies avec élégance et d'autres qui prennent un sérieux coup de vieux en quelques années. Flashdance appartient malheureusement à la seconde catégorie, et le recul ne lui rend vraiment pas service.


Qu'est-ce que c'est moche, nom de Zeus ! Un film inutile en soi, qui confond sensualité et gros plans, ambition et clichés, danse et agitation devant une caméra. On nous avait vendu un phénomène, on se retrouve devant un vieux clip publicitaire qui aurait oublié de commander un scénario.


Pour faire monter la température, il faudra repasser, car même le sèche-cheveux semble avoir davantage de souffle que cette pauvre affaire.

NOTE : 6.90

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HISTOIRE D'UNE CHANSON - WHAT A FELLING PAR IRENE CARA (FILM FLASHDANCE)

 


#HistoireChansonFilms aujourd'hui la Chanson What a Felling par Irène Cara , What a Feeling est la chanson phare du film américain Flashdance, réalisé par Adrian Lyne et sorti en 1983. Elle a remporté l'Oscar de la meilleure chanson originale en 1984


Irene Cara (chanteuse, auteure-compositrice et actrice américaine) est la voix et l'une des co-autrices du morceau.
Déjà célèbre pour son rôle et son tube dans le film Fame (1980), elle devient avec Flashdance une icône incontournable de la pop et de la dance des années 1980

La musique a été composée par Giorgio Moroder, le maître de l'électropop et du disco, et les paroles ont été écrites par Keith Forsey en collaboration avec Irene Cara elle-même

Irene Cara a écrit les paroles lors d'un trajet en voiture vers le studio d'enregistrement, s'inspirant directement de l'énergie et de la lutte de l'héroïne du film pour réaliser ses rêves de danse.

Le titre célèbre la libération par le mouvement, la passion, et la foi en ses propres capacités (« What a feeling, being's believing » / « Quelle sensation, exister c'est y croire »)

C'est un hymne à la persévérance : il traduit le passage du doute à l'expression corporelle totale, où la danse devient un langage et un moyen de s'affranchir de sa condition sociale

Le film a été tourné en grande partie sans que la bande originale ne soit totalement achevée.

Le compositeur Giorgio Moroder a accepté d'écrire la chanson principale seulement après avoir visionné la scène cruciale où l'héroïne Alex Owens (jouée à l'écran par Jennifer Beals et doublée par Marine Jahan pour les phases de danse) affronte sa peur lors de l'audition finale devant un jury professionnel

Le morceau vient couronner cette scène d'anthologie, transformant la séquence en un moment culte de l'histoire du cinéma.

https://www.youtube.com/watch?v=_OS9L4AYvt8

First, when there's nothing but a slow glowing dream That your fear seems to hide deep inside your mind All alone I have cried silent tears full of pride In a world made of steel, made of stone When I hear the music close my eyes, feel the rhythm Wrap around, take a hold of my heart What a feeling, being's believin' I can have it all, now I'm dancing for my life Take your passion and make it happen You just come alive, you can dance right through your life
Now, I, I hear the music, close my eyes, I am rhythm In a flash it takes hold of my heart What a feeling, being's believin' I can have it all, now I'm dancing for my life Take your passion and make it happen You just come alive, you can danse right through your life What a feeling What a feeling I am music now Being's believin' I am rhythm now You just come alive, you can dance right through your life
What a feeling I can really have it all What a feeling You just come alive when I call I can have it all I can really have it all Have it all You just come alive when I call Call, call, call, call, what a feeling I can have it all Call, call, call, call, what a feeling What a feeling Call, call, call, call, what a feeling What a feeling
Call, call, call, call, what a feeling
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13.80 - MON AVIS SUR LE FILM BAGDAD CAFE DE PERCY ADLON (1987)


 Vu le Film Bagdad Café de Percy Adlon (1987) avec Marianne Sägebrecht CCH Pounder Jack Palance Christine Kaufmann Darron Flag Monica Calhoun George Aguilar Apesanahkwat


Il y a des films qui ressemblent à une petite oasis au milieu d'un désert, des rencontres qui font du bien et des histoires qui vous réchauffent le cœur sans jamais avoir besoin de sortir les violons. Bagdad Café de Percy Adlon appartient à cette catégorie, avec cette particularité de vous donner envie de prendre la route, même si celle-ci vous conduit au milieu de nulle part, sous un soleil qui ne fait pas de cadeau.

Bagdad Café (1987), c'est avant tout la rencontre improbable de deux femmes que tout semble opposer, mais que la vie a placées dans une situation finalement assez semblable. D'un côté, Jasmine Münchgstettner, une touriste allemande qui vient de quitter son mari au cours d'un voyage dans le désert américain. De l'autre, Brenda, une Afro-Américaine qui tient un motel-café perdu au bord de la route, non loin de Las Vegas, et dont le quotidien ressemble à un combat permanent contre les contrariétés de l'existence. Deux femmes en pleine rupture amoureuse, deux caractères bien trempés, deux âmes un peu cabossées qui vont devoir apprendre à se reconstruire chacune à leur manière.

L'arrivée de Jasmine dans cet établissement poussiéreux ne va évidemment pas passer inaperçue, d'autant que notre Allemande débarque avec ses habitudes, sa personnalité et une manière bien particulière de s'imposer dans un environnement qui ne l'attendait absolument pas. Brenda, qui a déjà suffisamment de problèmes à régler avec sa famille et son commerce, ne voit pas forcément cette nouvelle venue d'un très bon œil. Il faut dire que la cohabitation commence plutôt mal, mais les premières impressions ne sont pas toujours les bonnes, surtout lorsqu'on prend le temps de regarder derrière les apparences.

Peu à peu, cette étrangère va trouver sa place et redonner un peu de vie à ce coin perdu, en nouant des relations avec les habitués et les personnages qui gravitent autour du motel. Elle va notamment révéler des talents inattendus, apporter une certaine fantaisie dans un univers qui en manquait sérieusement et finir par transformer ce lieu de passage en véritable lieu de rencontres. Ce qui n'était au départ qu'un établissement à moitié déserté va devenir un petit monde à part entière, où chacun semble retrouver quelque chose qu'il avait perdu en chemin.

Et pour donner vie à cette histoire, Percy Adlon a eu la chance inouïe de réunir deux artistes absolument exceptionnelles. Marianne Sägebrecht, avec son physique singulier, son regard et sa présence extraordinaire, compose une Jasmine inoubliable, sans jamais tomber dans la caricature de la bonne Allemande un peu excentrique. Face à elle, CCH Pounder est tout simplement remarquable dans le rôle de Brenda, avec cette énergie, cette autorité et cette sensibilité qui donnent une véritable épaisseur à son personnage. Leur rencontre fonctionne merveilleusement bien, avec des oppositions, des incompréhensions et des rapprochements qui donnent toute sa saveur au film.

Et comment ne pas évoquer Jack Palance, extraordinaire dans le rôle de Rudy Cox, cet artiste peintre qui apporte encore une autre couleur à cette galerie de personnages. Sa présence est un bonheur, avec ce mélange de fantaisie, de tendresse et de malice qui lui permet de composer un personnage aussi attachant qu'inattendu. Un acteur qui n'a décidément pas besoin de forcer son talent pour capter l'attention.

Mais Bagdad Café, c'est aussi une atmosphère absolument magnifique, avec ces paysages désertiques, cette poussière qui semble recouvrir les êtres et les choses, ces couleurs chaudes et cette lumière américaine qui donne au film une beauté presque irréelle. La mise en scène de Percy Adlon sait prendre son temps, laisser respirer les personnages et installer une poésie qui ne cherche jamais à se faire remarquer. On est loin des grandes démonstrations hollywoodiennes, mais quelle richesse dans cette simplicité !

Et puis il y a cette chanson, I'm Calling You, interprétée par Jevetta Steele, qui accompagne le film comme une seconde âme. Une mélodie envoûtante, presque hypnotique, qui donne une dimension supplémentaire à ces images et finit par vous rester dans la tête bien après la projection. Il y a des musiques qui accompagnent un film et d'autres qui deviennent indissociables de lui, celle-ci appartient définitivement à la seconde catégorie.

C'est un film sur la solitude, les différences, l'amitié et ces rencontres inattendues qui peuvent parfois remettre une existence sur les rails. Rien de révolutionnaire dans le propos, mais une façon tellement humaine de raconter cette histoire que l'on se laisse volontiers embarquer dans cette aventure au milieu du désert.

Bagdad Café possède ce charme rare des films qui ne cherchent pas à épater la galerie, mais qui finissent par vous toucher profondément. On s'attache à ces personnages, on sourit de leurs petites querelles, on apprécie leurs évolutions et l'on finit par avoir presque envie de pousser la porte de ce motel pour partager un café avec cette drôle de communauté.

C'est beau, c'est loin, c'est poussiéreux, parfois un peu décalé, mais qu'est-ce que c'est beau ! Et lorsque les dernières notes de Jevetta Steele vous accompagnent encore après le générique, on comprend que certaines destinations valent largement le détour, même lorsqu'elles se trouvent au milieu de nulle part.

NOTE : 13.80

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